Heavy Machinery : un label célébrant la diversité de l'Australie

À l'intérieur de l'hôtel de ville de Melbourne, un orgue mesure plus de 30 pieds de haut, composé d'un labyrinthe de 300 pieds de tuyaux, de 300 miles de câbles et de plus d'un siècle d'histoire. C'est la genèse de Heavy Machinery Records, un label australien qui a sorti plus de 50 projets au cours de ses cinq années d'existence, mettant en vedette la plus large gamme de musique imaginable.

Miles Brown, le fondateur du label, jouait du thérémine dans un parc local un jour lorsqu'un homme s'est approché de lui et lui a dit : "Hé, j'ai cet orgue. Peut-être que ça t'intéresserait de faire quelque chose avec ça ?" Ainsi, Brown et le groupe Night Terrors ont été chargés de créer une performance pour l'instrument massif, qu'ils ont enregistré et publié sur le label américain de bandes originales de films d'horreur Death Waltz. C'est devenu une preuve de concept sur la façon dont les projets pourraient être publiés correctement. "Nous avons pu montrer à quel point ce travail commandé est précieux", déclare Brown.

Bientôt, Brown a chargé d'autres artistes de créer des œuvres pour l'orgue et de les publier sur Heavy Machinery. Il fait de même pour les Federation Bells, une collection de 39 cloches tournées vers le haut qui s'avancent sur deux étages dans le ciel d'un parc de la ville. La première sortie du label était la compilation Cling Clang 2017 d'artistes électroniques sombres travaillant avec les cloches. L'échelle et la nature de ces instruments se prêtent aux créations gothiques et industrielles, qui ont toutes été intentionnellement capturées avec le nom du label. "Il avait principalement été utilisé pour le classique, le jazz et un peu de trucs expérimentaux avant cela. C'est formidable de l'emmener dans différents mondes et genres qui ne sont normalement pas récipiendaires de commandes traditionnelles", déclare Brown.

Lorsque la pandémie a frappé, Melbourne – régulièrement appelée Narrm, son nom indigène – est entrée dans une série en cascade de verrouillages étendus et stricts. Les musiciens ne pouvaient pas travailler et étaient enfermés seuls à la maison, alors le gouvernement est intervenu pour offrir un coup de main et a créé le projet Flash Forward. Grâce à Heavy Machinery, ils ont commandé 40 projets, offrant jusqu'à 20 000 $ chacun pour créer de nouvelles œuvres. Tout s'est passé à un rythme effréné, le premier disque tombant en juin 2021 et le dernier en février 2022, le tout à un moment où la vie de nombreux artistes était très compliquée et ils ne pouvaient souvent pas travailler ensemble face à face.

"Nous offrons une totale liberté de création et les aidons à amener leur travail à un niveau où les disques sonnent bien ensemble", explique Brown à propos de la relation du label avec ses artistes. "Nous voulons juste nous assurer que tout le monde obtient le meilleur résultat possible en travaillant avec nous pendant qu'ils ont accès à nos ressources. Nous voulons que la communauté se soucie de la façon dont nous travaillons avec nos artistes. Nous voulons créer une expérience de label agréable et sans inconvénient. Nous n'essayons pas de tester un artiste, nous essayons de le récompenser. "

Compte tenu de la somme d'argent en jeu, il était exceptionnel de voir le peu de conditions attachées à Flash Forward. "Ma mesure du succès est l'achèvement; nous faisons le disque et le publions. Cela contribue à l'histoire de l'artiste", a déclaré Brown. Pour chaque projet qu'ils ont commandé, ils ont pressé des disques. Certains ont bien performé, comme le disque punk bahasa de Jalang, Santau, qui s'est vendu rapidement. D'autres projets plus expérimentaux ne devaient pas se vendre rapidement ; les artistes peuvent les emmener vendre en tournée, ce qui joue en leur faveur. Ils peuvent en faire ce qu'ils veulent maintenant qu'ils sont pressés, et le label n'en prend pas de coupe. "Nous avons déjà eu de jeunes groupes qui ont été inspirés par les disques que nous avons sortis. C'est ce que vous voulez vraiment."

Brown s'est lancé dans le projet en cherchant à rassembler différentes communautés, et ils ont jeté un réseau large et diversifié, à la fois en termes d'arrière-plans et de styles. "Chaque type de diversité est important pour nous, vous essayez de représenter un éventail aussi large et large que possible", dit-il. Il y a des artistes aborigènes, pasifika et asiatiques ; il y a des artistes LGBTQ et neurodivergents ; il y a des garçons blancs aux cheveux longs. Il y a des stars et il y a des artistes obscurs. Il y a des groupes punk, des chanteurs de soul, des groupes de hip-hop indépendants, de la musique de club, des morceaux industriels, de la batterie et de la basse et du jeu de jambes. Tant qu'ils ont du talent et de la vision, le label est tout ouïe.

La principale raison pour laquelle il s'agit d'un projet si diversifié est en grande partie parce que c'est une ville si diversifiée. Soixante-dix pour cent des habitants de Narrm ont des parents nés à l'étranger et l'ascendance la plus courante dans la ville est chinoise. "Ce serait ridicule de ne pas avoir une liste diversifiée", a déclaré Brown. C'est aussi une ville musicale, avec des artistes venus de tout le continent pour faire partie des scènes là-bas. "Il y a tellement de communautés qui se chevauchent - des communautés basées sur l'orientation sexuelle, l'ethnicité et les intérêts. Et la plupart de ces personnes s'expriment à travers la musique. Le politique et le personnel sont toujours connectés."

Avec les fermetures derrière eux et un sentiment de normalité qui s'installe, Heavy Machinery est revenu à la mise en service de cloches et de projets d'orgue. Mais ils travaillent également à un suivi de Flash Forward, poursuivant leur mission de défier l'industrie musicale australienne dans son ensemble. "Nous ne voulons pas que les gens aient l'impression qu'ils doivent se sacrifier financièrement ou moralement pour participer à la musique", a déclaré Brown. "Habituellement, vous faites du troc et négociez avec le diable pour payer votre place à la table. L'industrie veut que vous pensiez que vous devez jouer à ce jeu. Nous essayons de créer un récit alternatif de la musique australienne, car si vous ne le faites pas, vous vous retrouvez avec un grand nombre de personnes qui ont déjà du succès. Nous voulons encourager les gens à réfléchir lorsqu'ils font de la musique et à la traiter comme une forme d'art."

Voici quelques sélections du vaste catalogue de Heavy Machinery.

Lorsque nous parlons des tendances gothiques d'un label créé autour d'un orgue imposant et de cloches flottantes, le nouvel album de V Faithless enfonce le clou avec des synthés darkwave et des tambours lancinants trempés dans des échos en spirale, des chants choraux et des hurlements. Les tambours capturent le rythme d'un battement de cœur et ne relâchent jamais le sentiment de tension, les couches de cloches créant un sentiment d'alarme implacable et subliminal. La chanson titre capture toutes les idées réparties sur le disque et les rassemble en une seule piste, solidifiant et clarifiant l'ambiance et la tension, associées à des tonalités lyriques qui dégoulinent d'espoir mélancolique.

Papaphilia traite la piste de danse comme le bureau d'un thérapeute, un endroit où transpirer l'existence quotidienne sous le charme du son. Son EP Remembrance Of Things To Come est un étage ouvert faiblement éclairé avec un espace pour l'introspection, un endroit pour laisser aller le rythme et libérer votre corps et votre âme. Du nouveau jack swing et des échantillons de Bollywood imbibés de réverbération sont collés sur des rythmes de club expérimentaux avec des coups de pied rebondissants, des gongs gazouillants et des lignes de basse chaudes. Il est à la fois futuriste et enraciné dans l'histoire, rassemblant des références culturelles disparates pour créer des liens nouveaux et nécessaires. C'est ambitieux, faire naître de nouveaux mondes tout en refusant de dissimuler les luttes de la réalité - après tout, il est nécessaire d'affirmer la douleur pour vraiment guérir.

Nate Lust se dirige directement vers la piste de danse et fait bouger les auditeurs jusqu'à ce que la lumière du petit matin se glisse sur son premier LP Club Medic. Le rappeur expérimental et artiste de performance canalise la vague de rap queer new-yorkaise des années 2010, en évitant les bars directs - ne vous attendez pas à un 16 chaud. Sa voix est entièrement destinée à créer une ambiance et une ambiance, tombant parfois à l'arrière et se faire couper comme n'importe quel autre échantillon. L'ensemble du projet ressemble à un retour à un futur rétro qui n'a jamais existé, comme s'il avait été fabriqué sur du matériel en plastique éraflé tiré de placards poussiéreux et réassemblé de nouvelles façons. Les caisses claires coupées et déformées et les touches analogiques cassantes sont ludiques et énergiques, et tout l'album déborde de style, d'esprit et de confiance.

Dua Naga de RINUWAT fusionne les penchants métalliques et l'expérimentation avec les sons indonésiens classiques. Il regorge de morceaux atmosphériques, presque ambiants, menant à une guitare électrique angoissée qui élimine la distorsion comme des particules de poussière, qui saigne dans des gongs de mamelon gamelan aérés qui s'enfoncent à un rythme patient. Les voix javanaises sous la forme de mantras grondants sont soutenues par un vent froid qui hurle profondément en arrière-plan. Il est suivi d'une section métal plus simple adoucie par de délicates percussions en bois aux côtés de morceaux monastiques et méditatifs avec des chants à la dérive et des métallophones vibrants. À la toute fin, une soudaine explosion d'accords agités étouffe la finale du projet.

La musique ambiante peut parfois sembler difficile à saisir, mais les paysages sonores de Kalaji (mieux connu sous le nom d'acteur de Nyikina Mark Coles Smith) sont aussi tangibles que la Terre sur laquelle la musique est basée. Construit sur des enregistrements de terrain qu'il a recueillis dans sa maison ancestrale - les terres de Nyikina se trouvent au nord-ouest de l'Australie - il est sensible et sérieux mais aussi audacieux et expansif. Cet album éponyme est bien plus que du design sonore et de la création d'ambiances ; ce n'est que le début. Des voix passionnées s'envolent dans la brise et la prose parlée saisit le cœur, tandis que de douces mélodies acoustiques et des arrangements d'accords profonds s'envolent comme des soupirs de soulagement. La soft techno agit comme une literie pour les paroles, livrées dans un style vocal indie soul, et des contre-mélodies sur les touches. Le chant de gorge et les didgeridoos sont saturés de l'appel des gazouillis d'insectes, du grondement purificateur d'orages lointains et d'arpèges de synthé scintillants. Il est difficile de ne pas écouter ce projet sans un sentiment d'émerveillement envers la musique et la terre, quelque chose d'urgent en temps de catastrophe et qui met en évidence la nécessité du travail des gardiens des terres indigènes.